SALA I | LA OTRA

Donde la otredad de la luz se inscribe en ciertos manejos y prácticas del dispositivo óptico

Que trata de la condición y CONTEXTO DEL PRESENTE SALÓN DE FOTOGRAFÍA

Cuando Louis Daguerre obtuvo su primera captura fija en 1835, perfeccionando los anteriores ensayos químicos de Joseph Nicéphore Niépce, no solo la luz fue atrapada, también se generó un poderoso concepto: el de la otra luz.

El de aquella “otredad”, que revela las diferencias entre el fotógrafo, el fotografiado y el observador, en medio de un discurso continuamente replanteado por los avances técnicos y comerciales en el campo de la óptica y lo digital.

Una mirada persiste entre todas, que retorna a los orígenes más que como un acto de nostalgia, como derivación de las reflexiones tanto teóricas e históricas sobre los afanes de los pioneros de la fotografía por “domesticar” una experiencia y una luz distinta.

Por eso, “la otra luz”, es desde un inicio la propuesta del Salón de Fotografía de Cajamarca: retomar el acto creativo bajo el asombro de los orígenes y “redescubrir” todas las posibilidades que permite esta acción de retorno, incitando la mirada del nuevo investigador/curador del arte para el reconocimiento de distintos momentos, lo que permitirá al salón un análisis del pasado en el presente, para una proyección a futuro. 

Esta versión será virtual pero perseverante en aquella marca de origen que la distingue: una vocación de pluralidad, articulada desde un proyecto curatorial —hoy bajo otro formato— pero con el mismo sello reflexivo, histórico, y a la vez, abierto a la contemporaneidad y sus experimentaciones.

MANUEL LIMAY INCIL | CURADOR DEL IV SALÓN LA OTRA LUZ

Gustavo Ciancio | Argentina

Alejandro Iván Román | Argentina

La construcción del olvido

El fuego robado a los dioses y entregado a los hombres, se convierte en una luz que atraviesa al mismo en su conformación. El tiempo ha transformado al hombre de tal forma que el olvido de esa llama se ha ido apagando progresivamente, y ha sumido a la persona a otra luz, la luz de la información, que ha venido para capturar al hombre sumergiéndolo en una autoprisión, que lo aleja cada vez mas del conocimiento.

El hombre vive en una realidad efímera donde necesita estar conectado a la red para existir, para compartir estados, para ser una persona que forme parte de la sociedad, pero toda esa mera necesidad de existencia vacua, no es más que pseudo realidad que lo aleja de su propia esencia, de la esencia humana del olvido de las almas de la que hablaba Platón.

El ser humano se encuentra en un ciclo infinito donde por un lado tenemos al hombre que ha adquirido la luz del conocimiento y ha podido salir de la caverna. Para acercarnos nuevamente al hombre que se ha sumergido nuevamente a la oscuridad esa otra forma de luz que lo distrae de lo real, de lo importante de lo único.

Las dos fotografías fueron tomadas con cámaras estenopeicas, de fabricación propia. Material sensible placas radiográficas.

La foto 1: fue tomada con una exposición de 10 mins, 5 minutos a la biblioteca y otros 5 minutos al modelo, para hacer mas exagerado el grano que tiene la finalidad de asemejarse a las imágenes de los

televisores antiguos se colocó la imagen en un televisor y se le volvió a realizar una foto estenopeica a la pantalla con una exposición de 4 minutos, revelados y escaneados con Epson V550. 

La foto 2: fue tomada con una exposición de 20 minutos y escaneada con Epson V550.

Alejandro Iván Román, tiene 41 años, es profesor de matemática y hace fotografía analógica desde los 15 años.

Vive en la localidad de Henderson, partido de Hipólito Yrigoyen, Provincia de Buenos Aires, Argentina. 

Kümei Kirschmann | Argentina

«Las solarigrafías son imágenes creadas a partir de cámaras estenopeicas y tiempos de exposición muy largos, de semanas o meses. En un mundo frenético lleno de instantáneas, me gusta creer en la espera como proceso creativo. Cada cámara es una foto. Para obtener estas imágenes del sol construyo las cámaras artesanalmente. Reciclando latas de cerveza o gaseosa. Las abro, las pinto, fabrico el estenopo, coloco el papel, y luego de ponerlas en algún sitio donde el cielo esté de protagonista, llega la espera. El resultado: paisajes deformados que desdibujan los límites entre lo real y lo imaginario, sin retoques, sólo el tiempo. Pero el tiempo también es ficticio y real. Es algo que sabemos que existe pero que podemos redefinir como queramos. El tiempo es inaprehensible. Sabemos que está ahí pero no nos podemos aferrar a él porque se mueve. El tiempo es movimiento. En las solarigrafías el tiempo se disfraza de líneas y se hace presente. El movimiento del sol queda registrado en este soporte fotosensible dando como resultado un negativo colorido y débil. Estos negativos son retratos. Retratos inestables de un tiempo incierto.«

Maurício Sapata | Brasil

CAOS

Estas imágenes son parte de una serie de registros en formato panorama realizados en la ciudad de São Paulo en 2019, proyecto que aún está en marcha. Para estos registros he usado dos cámaras estenopeicas hechas a mano con tres y cinco agujeros que construí con latas de mantequilla.

Las distorsiones, superposiciones, rayones y manchas en la imagen final son el resultado de la forma en que se coloca el material sensible dentro de la cámara, que aprovecha la curvatura de la lata, y el método de revelado manual. El movimiento de la cámara en diferentes posiciones durante las exposiciones también ayuda a enfatizar la sensación de caos y distopía en esta ciudad. Cada agujero de la cámara se abre por separado y requiere un tiempo de exposición variado, depende mucho de las condiciones climáticas y sus cambios durante el proceso de captura.

El material elegido para los registros fue una película de rayos X, ya que tiene un ISO más sensible que el papel fotográfico de uso común. Este tipo de película también se puede utilizar con luces de seguridad en el laboratorio, lo que facilita mucho la carga de la cámara y su revelado mediante inspección.

Para el revelado de la película, opto por un revelador casero elaborado con paracetamol, soda cáustica y sulfuro de sodio, Parodinal, que es básicamente una copia de un revelador elaborado por Agfa, el Rodinal.

Rosa Antinori Uceda | Cajamarca, Perú

«Estoy participando con dos obras una fue tomada con una cámara pinhole hecha de foam negro. Y la segunda es una antotipia hecha de beterraga.

La fotografía hecha con pinhole se titula «Encuentro», es un autorretrato que expresa cómo el ser humano es cambiante y se va reecontrando consigo mismo durante el camino de la vida. El utilizar este método de pinhole en un día nublado me permitió realizar exposiciones largas en las que me quedé por momentos estática para que me registrara cuatro veces simulando un encuentro conmigo misma, con mi yo del pasado.

La segunda fotografía «Las ramas del ser» es un método pre-fotográfico ya que la antotipia no fija la imagen por mucho tiempo sino que se va revelando cuando le cae la luz. Esta imagen es de una planta, en la que sensibilicé la cartulina con betarraga y la dejé bajo la luz del sol por un día. El resultado es un color rosado en la que la forma queda plasmada de un color rosado más oscuro.» 

Blanca Gallardo | Cajamarca, Perú

La naturaleza y la vida humana están conectadas. No hubiese vida humana sin naturaleza y que sería de la naturaleza sin la humanidad. Pasa lo mismo con la caja oscura: no hay vida sin la luz: la luz y la oscuridad son necesarias para dar vida a la imagen, imagen que surge de una oscuridad llena de ansiedad, incertidumbre y emoción. 

Clara y transparente es una imagen que surge dentro de un contexto cubierto de incertidumbre mundial ocasionada por una pandemia; pandemia que nubla los ojos para no darnos cuenta de qué más ocurre y seres vulnerables son desaparecidos día con día. Ella es la mujer. Esta obra, ensamble sobre fotografía, es un homenaje a todas las mujeres que sufren en silencio. Clara y transparente, ensamble sobre fotografía. 

Detrás de mí es una obra que muestra la alegría, la fe y la esperanza de un mañana mejor. La humanidad necesita volver a ser lo que fue: más humana.

Alejandra Arcuch | Santiago de Chile, Chile

En Estela, díptico de torsos femeninos en blanco y negro, uso la yuxtaposición de dos imágenes para relacionar el cuerpo con la piedra. La relación del cuerpo femenino con lo pétreo genera lecturas que se dirigen a ideas de finitud, de congelamiento, de dureza.

Sobre un mismo papel fotosensible proyecto 2 imágenes tomadas en tiempos diferentes. Ambas películas tienen como figura central una espalda desnuda femenina, una de piedra y la otra es de piel humana. Al mezclar estas imágenes sobre un mismo soporte, el cuerpo adquiere una dureza que comparece con pequeños espasmos de vida, quedando así en primer plano torsos extraños y deformes; afectados, craquelados, heridos. 

Por medio de distintos caminos investigativos, durante los años 2014 al 2019, he venido armando un cuerpo de obra que toma como referente la escultura funeraria; la representación del cuerpo humano (principalmente femenino) modelado y esculpido en piedra. Me interesa como la erosión deja huellas en la superficie de estas, dando cuenta del deterioro y del abandono. 

DETALLES TÉCNICOS. Fotografía análoga 35 mm blanco y negro. Las imágenes provienen de películas tomadas en el año 2019 y 2020. Una de las películas fue revelada con caffenol. El tamaño original de cada imagen (papel fotosensible) es de 15 x 23 cm. Tamaño expositivo para cada imagen 150 x 100 cm. 

Carlos Godoy | Chile

Pinceladas

Abrimos nuestros ojos, cada mañana, comienza un nuevo día y la luz permite descubrir el mundo que nos rodea. Como pinceladas de una obra de arte, la naturaleza se descubre. 

Bosques, helechos, ríos, aves traerán su canto, como rito sagrado, mantras, ícaros, melodías que habitan nuestro interior.

Me reflejo en ti, quien me enseñas el contigo aprendo, salvaje, sincero y transparente, observando como estado de meditación.

Gracias vida por estas constelaciones, llenas de formas y colores, aromas y sabores, por esta energía y luz, que habita nuestros corazones.

Selva húmeda

El confinamiento, nos ha invitado a recorrer nuestro entorno más cercano, a rencontrarnos con nosotrxs mismxs y bien, quizás, a recorrer aquellos lugares que visitábamos cuando pequeños, permitiéndonos valorar todo lo que tenemos a nuestro lado: familia, amistades, territorio, etc.

Dentro de este reconectar, el lugar que habitamos toma gran protagonismo y bien, en los diversos territorios podemos apreciar la flora y fauna nativa, tan valorable, dentro del espectro del monocultivo generado por algunas transnacionales. En este lugar que habito, Nacimiento, Octava región Chile, existen grandes plantaciones de Pino y Eucaliptus, para la producción industrial de celulosa, que llegaron a deforestar gran parte de la flora y fauna nativa que habitaba estos territorios, y bien aún existen diversos manchones de bosque nativo que continúan resistiendo y llenando de vida nuestro entorno más cercano. El presente trabajo habla de esto, de una puesta en valor de nuestro patrimonio natural, que continua resistiendo pesé a los factores de extractivismo que existe en éste, como en cualquier otro territorio. 

Andrea Melo | Bogotá, Colombia

Los miedos aunque creamos que los hemos superado los llevamos con nosotros siempre. Esta serie muestra algunos de los mundos que ocultamos no solo cuando somos niños, sino, durante toda nuestra vida.

La técnica que usé es el lumen print, solo que realicé varias alteraciones al papel fotosensible por medio de capas de betún de Judea para que me permitiera sobreponer imágenes y texturas, que den la sensación de que hay personajes ocultos bajo los retratos.

Canon Bernáldez | México

Jorge Luis Ochoa Suclle | Perú

Los aparatos fotográficos aparecen en plena vorágine del desarrollo industrial. Su creación se debe a los avances técnicos de la óptica, la química y la mecánica. Estos aparatos fueron capaces de grabar imágenes sobre superficies sensibles a la luz como si se tratase de huellas digitales dejadas por un miembro táctil. Esta propiedad, sumada a la expansión de los medios impresos, hizo que a la fotografía se le atribuyan cualidades ilustrativas y de prueba de evidencia. 

La creación de imágenes fotográficas analógicas requiere de técnicas y métodos sistemáticos donde no hay lugar a libertades; una alteración en su procedimiento rompería su cadena productiva. Usando unos negativos de imágenes tomadas en el Cusco en el marco de la fotografía documental, he invertido el orden de aplicación de los químicos durante el proceso de impresión, logrando como resultado imágenes ambiguas. La certidumbre que ofrecen las imágenes producidas por los aparatos fotográficos se tambalea y por un momento no es posible discernir su contenido.

José Asato Camacho | Perú

Constante

Constante es un ensayo fotográfico que demuestra espacios donde los órdenes simbólicos de las cosas enmarcan la cotidianidad Nikkei como una aculturación de la propia identidad. 

Soy nikkei de tercera generación y hasta hace poco no me consideraba uno, por el simple hecho de serlo. Hace un tiempo comencé a registrar espacios comunes de mi casa, fotografiando la propia cotidianidad de mi hogar y terminé encontrando motivos por el cual cuestionaba mucho mi identidad Nikkei, al revisar las imágenes me fui dando cuenta de cómo se van comportando los objetos que tenemos en distintos espacios de nuestras casas y de los mecanismos que éstas plantean dentro de una cotidianidad a la cual no somos ajenos. 

Ésta especie de aculturación donde convergen ambas culturas, tanto la peruana como la japonesa se ha venido manteniendo no solo de manera objetual sino de manera simbólica por dinámicas que se han venido desarrollando con el pasar del tiempo, mediante costumbres, tradiciones y actos que evidencian un mestizaje propio de la migración japonesa a más de un siglo de su llegada a Perú. 

José María Olivo López | Perú

Qoyllur Rit’i es una festividad religiosa andina, cuyos orígenes se remontan al siglo XVIII; se desarrolla en las faldas del Nevado Colque Punko, en la provincia de Ocongate, región Cusco, a casi 5,000 metros sobre el nivel del mar (cadena de nevados del Ausangate), convocando cada año a casi 100,000 personas que peregrinan y danzan hasta sus faldas, luciendo sus mejores trajes en agradecimiento por el nuevo año andino. La foto representa modelos luciendo trajes típicos empleados en dicha festividad. La foto se tomó en blanco y negro para usar la escasa luz de la presentación y poder generar escala de grises en los trajes. Se usó una cámara canon modelo a1, f1.8, 1/15 segundo, ISO 100.

Puesta de sombrillas como techo, a manera de decoración en la entrada del  Centro Cívico en la ciudad de Lima. Esta disposición brinda un inusual y ameno recibimiento a las personas que acuden, normalmente esa zona esta descubierta. Lo destacable es la decisión de usar  estas sombrillas en una ciudad que presenta altas temperaturas y por estar en una zona desértica  registra muy pocas lluvias durante  el año. La foto fue tomada con una cámara telemétrica Olympus 35sp, 1/60 segundo, f9.5, ISO 100.

Ksawery Wróbel | Polonia

Este un ciclo fotográfico de cinco imágenes realizadas usando una técnica fotográfica llamada solarigrafía.

Comencé mi aventura con la solarigrafía hace más de un año. Vi un video en Internet que mostraba cómo hacer fácilmente una cámara estenopeica con cosas simples que cada uno de nosotros tiene en nuestra casa. Desde entonces, la solarigrafía se ha convertido en mi pasión y continúa hasta el día de hoy.

Me gusta recolectar cajas y latas para hacer mis cámaras; el hacerles agujeros precisos, buscarles los marcos adecuados, se ha convertido en mi obsesión. Esta obsesión es como una enfermedad y me gustaría contagiarla a otras personas de todo el mundo.

Estas fotos que incluyo como parte de mi proyecto fueron tomadas entre junio 2019 a junio 2020.

La solarigrafía es una técnica en la que se puede utilizar una cámara con un pequeño orificio para exponer el papel fotográfico fotosensible durante un tiempo prolongado. Dependiendo de la duración de la exposición, la imagen resultante muestra la trayectoria del sol a través del cielo desde el amanecer hasta el anochecer, pero también de norte a sur (o viceversa) entre los solsticios. Cada rayo de luz en la imagen solarigráfica representa un día. Las rayas de luz faltantes indican que el sol está obstruido por una capa de nubes. Este método permite el uso de tiempos de exposición muy largos: varias semanas, meses o incluso años.

Después de la exposición del papel, se omite todo el proceso químico. La foto negativa se saca de la cámara, se escanea y se invierte a positiva en el programa de gráficos. Para tomar mis fotos utilicé como cámara, frascos de aluminio, el papel fotosensible fue puesto según la forma de la tapa del frasco, por eso las imágenes tienen una forma circular.

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CRÉDITOS

LA ORGANIZACIÓN

Escuela de Formación Artísticas Mario Urteaga Alvarado y Canal Museal

DE LA CURADURÍA

Manuel Limay Incil

DE LA COORDINACIÓN GENERAL

Duver Chuquiruna Alvarado

DE LA EXPOSICIÓN VIRTUAL

Galería Marcial de Canal Museal

SOBRE EL JURADO

Daniel Cotrina | François Canard y Juan Peralta | Teresa Arias y Daniel Contreras | 

LOS ALIADOS

Dirección Desconcentrada de Cultura Cajamarca | Municipalidad de Cajamarca | Feria del libro de Cajamarca (Felicaj) –

Al rescate de Caxamarca |

6 comentarios en “salón de fotografía analógica la otra luz | IV EDICIÓN | sala I «LA OTRA»”

  1. Pingback: 4° Salón de fotografía: "La otra luz" – Cajamarca 2020 - Lima en escena

    1. Gracias por tu comentario Beatriz. Estamos seguros que los fotógrafos participantes estarán contentos de leerte y de saber que te ha gustado su trabajo. En Canal Museal tenemos pendiente un gran viaje para conocer México, y por supuesto, Cuernavaca. Muchos saludos museales a nuestros amigos y amigas mexicanos!

  2. Elmer Avila Olarte

    Que buena muestra, nos enseña de lo que poco se ha dicho y de lo que nunca sabremos.
    Felicitaciones a los gestores y participantes.

    1. Muchas Gracias Elmer por tus palabras. Enorme es nuestra satisfacción de saber que la exposición ha sido de tu agrado. Saludos museales y no dejes de visitarnos continuamente!

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